"최초로 그림을 그리기 시작한 것은 누구일까?"

... 처음으로 그림을 그리기 시작한 사람들은 아주 아주 옛날에 살았던 원시인들이다. 이들은 무리를 지어 동굴에서 살았고, 돌로 도구를 만들어 사냥을 하거나 물고기를 잡으며 생활하였다. 그리고 또한 문자를 쓰기 이전에, 동굴 안의 벽에 그림을 그렸는데 이것을 "벽화"라고 한다.

지금까지 발견된 가장 오래된 벽화 중에는 스페인에 있는 <알타미라 동굴 벽화>와 프랑스의 <라스코 동굴 벽화>가 있다. <알타미라 동굴 벽화>에서는 들소의 모습이, 그리고 <라스코 동굴 벽화>에서는 들소 외에도 여러 가지의 야생 동물의 모습이 보인다.

이집트 사람과 그리스 사람은 어떻게 다르게 생겼을까?
사냥하고 돌아다니면서 동굴에서 살았던 원시인들은 이제 큰 강 지역을 중심으로 집을 짓고 농사를 지으면서 한 곳에 정착하며 살기 시작했다. 이들은 여러 무리로 뭉쳐서 '도시'를 만들어 냈을 뿐 만 아니라, 문자를 만들어서 사용했다. 이 때를 바로 '고대 문명' 시대라고 합니다. 이 중에서도 특히 발달한 곳은 나일강 유역의 이집트 문명과 지중해 지역의 그리스 문명이라고 할 수 있다.

그리스는 '폴리스'라 불리는 수 백개의 작은 도시 국가로 이루어져 있었고, 하나의 도시 국가에는 겨우 수 백명의 사람들이 살았다. 도시의 가장 높은 언덕 위에는 가장 중요한 건물들이 세워졌는데, '신전'이 그 대표적인 예다. 그리스 사람들은 여러 신들을 섬기기 위해서 지금의 교회처럼 신을 모셔놓고 예배를 드리는 건물인 "신전"을 많이 지었는데, 신전 중에서 가장 유명한 것은 아테네 시에 있는 <판테온 신전>이다. 전쟁의 여신인 아테네를 위해 지은 이 신전 역시 높은 언덕 위에 위치하여 멀리서 보이게끔 지었다. 또한 흰 대리석으로 만든 이 신전은 사각형의 형태로 한쪽으로 치우쳐지지 않고 완벽한 균형과 조화를 이룬다. 면마다 큰 돌기둥이 여러 개 나열되어있고 그 기둥은 무척 아름답다. 이처럼 그리스의 건물은 보통 기둥을 세우는 방법과 기둥에 새겨진 무늬에 따라 건축양식이 구별 되었다.

이외에도 그리스 사람들은 특히 사람의 몸이 지니는 아름다움에 대해서 무척 관심이 많았다. 그래서 벌거벗은 사람들을 많이 그리고 조각한 것은 그만큼 사람의 몸에 대해서 관심이 많았기 때문이다.

그리스의 유명한 조각가인 폴리클레이토스의 조각 작품인 <두리포로스>에서 균형이 아주 잘 잡힌 남자의 몸이 아름다운 것을 살펴볼 수 있다. 폴리클레이토스는 그리스인들이 믿는 신처럼 인간을 이상적이고 완벽한 모습으로 나타내려고 했던 것 같다.

"좀 더 진짜 사람 같아졌네요~"

'중세'시대가 거의 끝나 갈 무렵에 '상인'이라는 사람들은 동방에서 들여온 여러 가지의 신기한 물건을 팔아서 돈을 모으게 되었다. 그리고 이들은 이 돈으로 큰 도시를 만들었을 뿐 만 아니라, 훌륭한 학자들과 예술가들을 적극적으로 지원하게 되었다. 이렇게 해서 새로운 문화를 꽃피우게 된 것이 바로 '르네상스'시대이다. '르네상스'란 프랑스어로 "다시 태어나다"는 뜻이다. 사람들은 한참 기독교와 하느님을 섬겼고, 모든 미술 활동도 이에 따라 이루어 졌다. 그러나 그것이 너무 심해져서, 그림 속의 사람들은 진짜 사람 같지 않고 그림 자체도 정말 이루어진 일 같지 않고 환상 같기만 했다. 이에 반발해서 사람들 사이에는 그 이전 그리스 시대에서처럼 '인간'에 대한 관심이 다시 일어났다. 바로 이처럼 옛날 그리스를 본받고 '인간'에 대한 새로운 관심을 다시 이루려고 하는 것을 '르네상스'라고 한다. 물론 사람들은 아직까지 기독교를 굳게 믿고 있었지만, 이전처럼 오로지 기독교와 하느님 중심에서만 모든 것을 이룬 것은 아니다. 다시 말해서 하느님을 섬겼지만, 하느님과 예수님 그리고 성서의 이야기만 그린 것이 아니라 사람들의 이야기도 아울러 그리게 되었다.

그렇다면 바다의 물거품에서 태어난 그리스의 미의 여신 비너스를 그린 <비너스의 탄생>은 이전의 그림과 어떻게 다를까요? 이 그림에서는 우선 성서나 하느님의 이야기가 아닌 옛날 그리스의 신화 이야기가 그려져 있다. 그리고 그리스에서 그린 그림처럼 주인공이 벌거벗은 모습으로 나타났다. 사실 교회에서는 벌거벗은 사람을 그리는 것이 금지하였고 거의 엄숙하고 딱딱한 그림만 그렸지만, 이 때에 이르러서는 사람의 몸과 그 아름다움에 대해서 다시 관심을 갖게 된 것이다. 또 르네상스 시대에는 특별히 '명암법'과 '원근법'이라는 그림 그리는 법을 발견하기도 했다.

'명암법'은 '앞으로 나온 부분은 나와 보이게, 안으로 들어간 부분은 들어가 보이게' 그리고 '원근법'은 '멀리 있는 것이 가까이 있는 것 보다 작게 보이게' 그리는 것이다. 이 두 가지는 사람과 그 주변 공간 모두를 더욱 사실처럼 느껴지게 하는 과학적인 방법이라고 할 수 있다. 특히 '원근법'은 아래의 그림 (우첼로의 <산 로마노 전투> 참조)에서 보여지듯이 뒤로 갈수록 화면 한 가운데의 점으로 모아지는 하나의 삼각형 틀에 맞춰서 그릴 수 있다. 그렇다면 마사치오라는 이 당시의 유명한 화가의 그림 <성삼위일체>를 자세히 살펴보자.

"꿈틀대고 움직이는 그림!"
시대는 아주 빨리 발달하고 있었다.. 서구 사람들은 지구가 둥글다는 것을 보여주기 위해 배를 타고 세계로 진출하기 시작했다. 그래서 서구인들은 아시아와 미국 대륙을 처음으로 발견하게 되었고, 그 이후로 국가별로 발견한 땅을 식민지로 삼으며 더욱 부유해지고 힘도 키워나갔다. 결국 각 나라의 왕이 교황보다 더 강해졌고, 귀족들은 아주 사치스럽고 화려한 생활을 하게 되었다.

여러분이 잘 아는 '삼총사'나 '베르사이유의 장미' 이야기의 배경도 이 시대다. 특히 만화 '베르사이유의 장미'에서 '베르사이유'는 당시의 대표적인 궁전인 베르사이유 궁전을 가르키고, 거기에 등장하는 프랑스 왕 루이16세와 왕비 마리 앙트와네트 그리고 그 주변의 귀족들은 거의 다 이 시대에 실제로 살았던 사람들이다. 이처럼 왕과 귀족들이 화려하고 아름다운 모습으로 사는 동안, 백성들은 굶주리고 무척 불행하게 살았다. 그리고 견디다 못한 백성들이 일으킨 것이 바로 프랑스 시민 혁명이에요! 그렇다면 미술은 그 이전의 '르네상스'시기와 어떻게 다를까?

그 이전까지 '균형'과 '조화'를 중요시했던 화가들은 이제 빨리 움직이는 세상에 발맞춰 그림 속에서도 무엇인가 움직이는 것을 그리려고 했다. 그렇다면 어떤 방식으로 그림 속에 "움직임"을 표현했을까? 우선 완전히 정지된 모습보다는 움직이는 모습을 그렸고, 그러다 보니 사람과 사물간의 윤곽선이 명확하지 않았다. 또한 이 시대의 그림들에서는 강조하고 싶은 부분은 눈부실 정도로 아주 밝게 그리고 나머지 부분은 어둡게 색칠하는 특징을 주로 보인다.
이 당시 대표적인 화가로는 특히 네덜란드와 플랑드르 지방 중심의 루벤스나 램브란트가 가장 유명 했어요.

루벤스의 그림 <루시포스 딸들의 능욕>(1618)을 자세히 살펴보면, 등장 인물들이 가만히 있지 않는 모습으로 그려져 있다. 이 장면은 제우스 신의 쌍둥이 아들들이 루시포스의 딸들을 납치해가는 이야기인데, 붙잡으려는 남자들과 도망치려는 여자들의 움직임이 아주 생생하게 느껴지진다. 이렇게 움직이는 모습을 생생하게 그리다 보니 자연히 윤곽선은 그리 선명하지 않게 되었다. 또한 바로크 시대의 화가들은 여러 색깔을 대비시켜서 그리기를 좋아했다. 이 그림에서도 벌거벗은 여자들이 하얗게 칠해진 반면 남자들은 그보다 어둡게 색칠해져 서로 비교된다. 이 때에 활동한 또 한명의 유명한 화가 램브란트는 특히 당대에 살았던 주변 사람들의 '초상화'나 자기 자신을 그린 '자화상'을 주로 그렸는데, 그는 특이하게 가만히 앉아 있는 모습의 인물보다는 마치 움직이다가 갑자기 사진에 찍힌 듯한 자세로 사람들을 그리기를 좋아했다. 그리고 사람의 굳은 표정 뿐만 아니라 웃고 화내는 등 여러 가지의 표정을 다양하게 그림 속에 담았다.

루시포스 딸들의 능욕

- 19세기 -

19세기의 시대 자체가 변화무쌍했듯이, 19세기의 미술도 무척 다양하게 변하면서 발전했다.
19세기에는 1839년에 사진이 발명되는 등 과학이 더욱 발달했다. 특히 사진이 나온 후에 그림을 그리는 방향이 많이 달라졌다. 화가들이 아무리 그림을 잘 그리더라도 사진만큼 사물을 있는 그대로 찍어낼 수 없기 때문에, 이제는 사물의 겉 모습을 정확히 그리는 일은 의미가 없어졌다. 어떤 화가들은 심지어 더 이상 그림을 그리지 않고 사진가로 직업을 바꾸기도 했어요. 이렇게 해서 화가들은 실제 존재하는 것처럼 그려진 그림을 그리는 것을 최고의 목표로 두지 않게 되었고, 화가 각자의 개성에 따라 여러 가지의 다른 그림들을 그리게 되었다.

19세기 초반에는 '신고전주의', '낭만주의', '사실주의' 혹은 '자연주의'등의 미술이 발달했디. 신고전주의에서는 신화나 영웅들의 '이야기'를, 낭만주의에서는 상상에 의해서 꾸며낸 이야기를, 그리고 사실주의나 자연주의에서는 평범한 사람들과 흔히 주변에서 볼 수 있는 일상적인 모습을 그렸습니다. 그러나 현대 미술이 본격적으로 시작된 것은 19세기 중반 이후의 인상주의 미술에서부터이다.

* 인상주의 - "우리는 햇빛이 좋아요!"
대부분의 화가들은 그 이전까지 모두 작업실 안에서 물감을 직접 만들어서 그림을 그리곤 했다. 그런데 과학이 보다 발달하여 화가들은 새롭게 발명된 기차를 타고 여기저기 다니면서 바깥의 풍경을 열심히 그릴 수 있게 되었다. 그리고 가볍게 들고 다닐 수 있는 팔레트와 튜브 물감도 새로 생겨서 더욱 바깥으로 나가서 그림을 그리게 된 것이다. 이처럼 '야외'에 나가서 눈에 비친 자연 풍경의 순간적인 인상, 그 중에서도 특히 반짝반짝거리고 반사되면서 시시각각으로 움직이는 '햇빛'에 비친 자연을 그린 그림을 '인상주의'라고 불렀다. 인상주의 화가들은 '움직이는 햇빛'중에서 한 순간을 포착하기 위해서, 여러 가지 색상의 물감을 섞지 않고 재빨리 점으로 찍어서 그렸다. 그러나 이러한 방법은 지금까지의 그림들과 다르게 마치 아무렇게나 제멋대로 물감을 발라 놓은 것과 같은 인상을 주어, 처음에는 사람들이 그림을 보고 많이 눈살을 찌푸리고 비웃었다.

모네의 그림 <인상, 해돋이>에서는 해가 막 떠오르려는 순간에 안개 낀 항구와 배 그리고 바다의 모습이 그려져 있다. 이 그림에서는 윤곽선이 정확하게 그어져 있지 않을 뿐 아니라, 우리가 흔히 머리 속에서 알고 있는 대로 하늘은 엷은 푸른색으로, 바다를 짙은 푸른색으로 그리고 해를 노란색으로 칠하는 것과는 다르게 여러 색깔들이 한꺼번에 칠해져 있어 그림 전체는 어른거리는 것만 같아요. 이것은 항구, 배, 바다 등의 모든 것이 시시때때로 변하는 붉은 아침 햇살에 젖은 모습으로 그려져 있기 때문이다.	인상, 해돋이

* 신인상주의 - "계산해서 찍힌 점들…"
'신인상주의'라는 단어는 '인상주의'에다가 새로울 '신(新)'자를 앞에 붙인 것으로, 말 그대로 또 다른 새로운 인상주의를 뜻한다. 인상주의 화가들은 그림을 그릴 때 붓으로 색칠하는 대신에 여러 가지 색깔의 점을 찍는 방법을 사용했는데, 신인상주의의 대표 화가 쇠라도 이 방법을 사용했다.

그렇지만 그는 보다 정확히 수학적으로 계산을 하여 명확히 구분 시킨 구역 안에 거의 동일한 크기의 점을 여러 가지의 색깔로 찍는 '점묘법'의 방법을 사용했다. 따라서 인상주의 그림에서는 윤곽선이 선명하지 않고 그림 전체가 어른어른거린다면, 신인상주의 그림에서는 윤곽선이 분명히 드러나고 멀리서 보면 점이 아닌 넓은 면을 정확히 색칠한 것 같다. 그림 <일요일 오후의 그랑자트 섬>은 쇠라가 사다리를 놓고 그릴 정도로 아주 큰 그림으로, 수천개의 점들이 정확하게 계산되어서 찍혔다고 한다. 이 그림을 자세히 살펴보면 여러 가지의 색깔 점들이 찍혀져 있는 것이 보인다.

그랑자트 섬의 일요일

* 후기 인상주의와 세잔느
'후기 인상주의'하면 가장 먼저 떠오르는 것은 고갱과 고흐의 두 화가와 이 두사람의 이상야릇한 친구 관계였다. 성격이 너무나도 달랐던 두 사람은 같이 살기도 하고 함께 그림도 그리곤 했다. 그러나 이 두 사람의 성격이 달랐듯이 그림도 무척 다르다. 고갱은 강한 원색을 사용하기를 좋아했고, 고흐는 구불구불 거리는 곡선을 즐겨서 그렸다. 그러면서도 두 사람의 그림에는 공통점도 있다. 바로 그림을 통해서 마음 속의 감정을 솔직하게 드러냈다는 것이에요.

평생 외로움과 절망에 빠져서 산 고흐는 정신병원에서 치료를 받으면서도 끊임없이 붓을 들고 그림을 그렸습니다. 그는 <해바라기>, <별과 달이 빛나는 밤> 등의 그림에서 구불구불 거리는 선들로 마음 속의 열정과 아픔과 불안을 나타냈다.

해바라기	별과 달이 빛나는 밤	아베 마리아

고갱은 고흐와 헤어진 후 복잡하고 세련된 기교로 그려진 그림에 싫증이 나서 남태평양의 작은 섬 타히티로 떠나서 그림을 그리게 되었습니다. 그는 거기서 때묻지 않은 자연 세계와 원주민들의 순수하고 솔직한 모습을 강렬한 원색으로 표현했습니다.

- 20세기 -

자동차, 지하철, 비행기, 우주선 그리고 컴퓨터가 발명된 20세기는 과학과 기계가 더욱 더 발전했다. 사람들은 과학의 발달로 인하여 생활이 더욱 편해졌고, 온 세상이 평화를 유지하는 듯 보였다. 그러나 서구의 나라들이 아프리카나 아시아 지역으로 침범해서 이를 식민지 나라로 만들면서, 세계는 사실상 그렇게 평화롭지 만은 않았습니다. 그리고 결국 터진 것이 제 1차 세계대전과 제 2차 세계대전 이다.

사람들은 전쟁 중에 기계가 많은 사람들을 죽이는 데에 도움이 된 것을 보고, 기계와 과학에 대해서 증오를 느끼기 시작했다. 또한 더 이상 이 세상의 겉 모습을 믿지 않았습니다.이처럼 시대가 바뀌었을 뿐 만 아니라 사람들의 생각도 바뀌었고 그리고 세계에 대한 이러한 변화된 태도는 미술에도 큰 영향을 끼쳤다. 20세기의 화가들은 실제로 존재하는 실물에 가장 가깝게 그리는 미술의 목표에서 더욱 멀어졌다. 그리고 아울러 실제에 가까운 그림을 그리기 위해서 필요했던 그림 그리는 방식인 '원근법'과 '명암법'을 포기하게 되었다.

* 야수파 - "색깔로 모든 것을 표현하고자 해요!" 1905년 '살롱 도톤느'라는 프랑스의 유명한 전시회에서 마티스 등의 여러 화가들은 아주 강렬한 색채로 그린 그림을 전시했고, 이 전시를 보고 간 한 기자가 이들의 그림을 보고 '야수'같다고 하여 이 화가들에게는 '야수파'라는 이름이 붙여졌다고 한다. 이 전시회의 그림 중에서 가장 충격적이었던 것은 마티스라는 화가의 초상화 그림인 <모자를 쓴 여인>(1905)이었다. 이 그림을 살펴보면 인물의 피부색은 보통의 초상화에서 흔히 사용하는 살색과는 달리, 빨간색, 초록색, 주황색, 파란색, 등의 강한 색깔로 칠해져 있어 사실과 무척 달랐다. 또 다른 마티스의 그림 <초록색의 선>(1905)에서도 모델이 된 여인은 머리가 푸른색 그리고 얼굴의 반쪽이 초록색을 이다. 이처럼 야수파 화가들은 그림을 그리는 구성 요소 중에 특히 색깔을 무척 중요하게 생각했다. 그리고 이들은 우리가 흔히 눈으로 볼 수 있는 실물에 가깝게 색깔을 칠한 것이 아니라, 원색에 가까운 강한 색깔을 주로 사용해서 그림 전체를 색깔로 표현했다. 그 결과 그림 속의 사람과 그 주변 공간을 모두 실제처럼 느껴지게 하는 방법인 명암법이나 원근법이 거의 사용되지 않았다.		모자를 쓴 여인
		마티스의 부인: 초록색의 선

* 입체주의 - "눈에 보이지 않는 부분까지 그리려고 해요!" '입체주의'하면 먼저 떠올라야 될 화가는 세잔느다. 세잔느는 모든 것을 입체감이 있는 형태로 그리기를 좋아한 화가였다. 그런데 이런 세잔느로부터 가장 큰 영향을 받은 것이 입체주의의 화가들 피카소와 브라크이다. 입체주의는 피카소의 악명 높은 그림 <아비뇽의 아가씨들>(1907)로 시작된다. 과거의 아름다운 여인의 모습보다는 오히려 괴물과도 같은 여인들을 그린 이 그림에서는 여인의 몸매가 뒤틀려 있는 것은 왜 그럴까? 특히 오른쪽 아래에 있는 아가씨는 얼굴은 앞을 보고 있는데 몸은 등을 돌리고 있습니다. 또한 얼굴도 눈은 앞을 똑바로 본 모습인데 코는 옆으로 본 모습이 동시에 그려져 있다. 이러한 모습이 가능한 것일까요? 이것은 눈에 보이는 것 뿐 만 아니라 눈에 보이지 않는 것까지 함께 그리려는 피카소의 뜻이며 입체주의 그림의 뜻이다.

아비뇽의 아가씨들

* 추상화
'추상'이란 무슨 뜻일까요? 우리가 여태까지 살펴본 그림 속에는 우리가 알아볼 수 있는 어떤 사람과 물건이 그려져 있거나 또는 그림을 통해 어떤 이야기가 전달되어서 그림을 비교적 쉽게 이해할 수 있었다. 그러나 만약 그 그림이 알 수 없는 형태와 의미를 담고 있다면 그 그림을 어떻게 이해해야 될까? 이처럼 특별한 이야기나 의미를 지니지 않고, 선, 색, 형태 등의 그림의 구성 요소로만 어떤 생각이나 감정을 표현한 것을 '추상'이라 부른다. 초기에 추상 그림을 그리기로 유명한 화가들로는 칸딘스키와 몬드리앙을 꼽을 수 있다. 음악과 같이 마음을 움직이는 그림을 그리고자 한 칸딘스키는 1910년에 수채화로 된 첫 추상 그림을 그렸다.

그리고 우주의 평온함을 나타내주는 그림을 그리고자 한 몬드리앙도 비슷한 시기에 밝은 원색의 사각형으로 된 추상 그림을 그렸다. 우리는 특별히 그림을 통해서 마음을 움직이게 하는 칸딘스키의 그림을 '뜨거운 추상'으로, 그리고 마음을 차분하게 가라앉게 하는 몬드리앙의 그림을 '차가운 추상'으로 부르기도 합니다. 이외에도 수 많은 화가들이 오늘날에 이르기까지 추상 그림을 그리고 있다.

즉흥31	핑크빛 악센트	붉은색, 황색,청색의 다이아몬드