독창적이고 상상력이 풍부한 20세기 화가의 한 사람인 그는 야수주의의 강렬한 색채와 입체주의의 새로운 공간 개념에 영향을 받았다. 이러한 요소들을 바탕으로 러시아의 민속적인 주제와 유대인의 성서에서 영감을 받아 낭만적이고 순수한 표현을 발전시켰다. 그의 환상적인 그림들은 초현실주의의 선조 격으로 숭앙받았지만 샤갈은 동시대의 어떤 미술사조에도 몸담지 않은 가장 독창적이고 신비스러운 작품을 세계를 만들어왔다. 그의 그림에서는 동물과 꽃의 모티브, 지방마을의 풍속, 신부, 연인들이 자주 등장한다. 주로 동물과 꽃은 행복한 남녀의 배경을 장식하며 사랑하는 연인들은 지상으로부터 자유롭게 훨훨 날아다닌다. 샤갈의 그림에서 여인은 휴식이자 빛과 같은 존재이며, 후기 작품에서는 음악과 결부되기도 한다. 화려한 색채와 친근한 주제와 이미지들이 전세계 대중으로 하여금 그의 그림을 좋아하고 사랑하게 만든이유이기도 하다. 고흐, 고갱, 마티스, 피카소에 이어 대중적 인지도에서 5위에 랭크될 만큼 근대작가로서 또 80년대까지 삶을 누린 현대작가로서 대중의 기억 속에 깊이 파고든 작가이다 =\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ 러시아 태생의 프랑스 작가 마크 샤갈(1887-1985)은 전 세계 대중의 사랑을 가장 많이 받는 화가이자 미술사의 독특한 위치를 지닌 작가이다. 98세의 오랜 삶을 통해 동심으로부터 무용과 꿈, 그리고 성경의 세계에 이르기까지 수많은 작품을 현란한 색채와 형상으로 독특한 회화세계를 구축한 그는 피카소의 표현을 빌자면 "마티스와 더불어 20세기의 가장 뛰어난 색채화가"로 여겨지고 있다. 파리의 그랑팔레 (Grand Palais)(2003. 3.14- 6. 23)와 샌프란시스코 근대미술관 (San Francisco MOMA)(2003. 7.26 - 11. 4) 에서의 대규모 회고전에 이어지는 마르크 샤갈의 한국전은 1910년에서 1985년에 이르는 샤갈의 전생애를 작품을 보여주는 국내에서는 단일작가로는 최초의 대규모 회고전이다. 품격과 양질의 전시만을 개최하는 프랑스 최고의 전시장인 그랑팔레 (Grand Palais) 전시 작품들을 고스란히 한국에 가져온다는 점에서, 또 국내에서는 보기 드문 서양미술의 대가 1인의 초대형 회고전이란 점에서, 마르크 샤갈의 한국전시는 국내 전시사상 최고의 품질과 내용을 갖춘 전시이다. 아울러 미술사적인 의미 뿐만 아니라 일반 대중과 청소년의 교육적 측면에서도 반드시 보아야 할 의미있는 전시이다 ================ 현대성의 발견 샤갈은 화가로 출발할 때부터 현대미술과 단순하지 않은 관계를 맺었다. 그는 1915년에서 1920년까지 러시아에서 펼쳐지던 유대-러시아 민속문화의 부흥운동에 참가하고자 했다. 모스크바의 유대예술극장을 위한 장식화들은(이번 전시에서 그 중 네 점의 패널을 볼 수 있다) 그런 노력의 일환이다. 그러나 다른 한편으로는 서구의 보편적인 미술계에 합류하기를 열망하기도 했다. 유대 화가나 러시아 화가라는 딱지 없이 그저 화가로 완전하게 받아들여지기를 바랐던 것이다. 그의 파리생활은 이런 포부와 함께 시작되었다. 예를들어 모스크바 유대예술극장을 위한 장식화들 중 춤, 연극, 문학, 음악을 다룬 네 점의 우의적인 인물화 패널을 볼 수 있다. 이 장식화들은 샤갈의 정체성(이 경우 유대인으로서의 정체성)을 확인하는 동시에 말레비치가 찬양하는 추상미술에 대한 응답이라는 의미를 갖는다. 개인적인 관심(유대 민속문화에 대한 관심과 지지)과 예술적 관심(어떻게 추상에 저항할 것인가)을 동시에 다루었던 것이다. 그는 자신의 초기 걸작에 속하는 이 장식작업을 통해 유대-러시아 대중예술을 소재로 위대한 예술을 창작할 수 있음을 입증하는 한편, 추상작업이 불필요함을 주장하고자 했다. 전자를 위해서는 대중적인 민속예술가들을 소재로 춤이나 음악을 표현하는 방식을 택했다. 원래 서양의 고전예술이 전통적으로 중심인물로 내세우던 귀족들의 자리에 서민적인 인물들을 등장시킨 것이다. 그런데 이 인물들은 전혀 추상화된 인물이 아니다. 바로 여기서 그의 후자의 의도가 드러난다. 샤갈의 인물들은 거리의 악사나 시골의 마을 잔치에서 춤을 추는 여인 같이 일상생활 속에서 흔히 볼 수 있는 인물들 그대로이다. 이전에 제작된 작품들, 예를 들어 이번 전시에서 볼 수 있는 1914-1918년 작 <도시 위에서> 같은 그림도 러시아의 민속전통과 현대성의 혼합을 보여준다. 사랑에 빠진 연인이 비테프스크의 하늘 위를 날아간다. 비테프스크는 배경의 대성당으로 쉽게 알아볼 수 있다. 그런데 연인의 모습은 입체파 양식으로 다루어진 반면, 도시의 모습은 소박한 통속화를 떠올리게 한다. 당시 샤갈의 관심은 말레비치를 포함해서 그와 같은 시대를 살아가던 러시아 화가들, 추상회화를 도입하는 데 열중하던 이들과 아주 달랐다. 추상 화가들은 다른 무엇보다 형식에, 그리고 형태와 색채간의 관계에 관심을 쏟았다. 반면 샤갈의 관심은 오로지 감성적인 것에 쏠려있었다. 말레비치가 러시아에 추상을 퍼트리고 있을 때 샤갈은 신혼의 행복과 사랑의 기쁨을 다루는데 몰두했다. 프랑스에서 체류 중이던 1925년부터도 샤갈은 마찬가지의 이중성을 지닌 그림들을 제작하였다. 그 중 어떤 작품들은 완전히 초현실주의 회화처럼 보이지만, 실제로는 전혀 그렇지 않다. 1933년의 걸작 <비테프스크 위를 나는 누드> 역시 마찬가지이다. 이 그림은 겉보기처럼 초현실주의적인 꿈을 다루고 있는 것이 아니라 자전적인 고백의 측면이 강하다. 이 작품 속의 누드만 떼어놓고 보면, 마치 20년대 초 프랑스의 고전적인 아카데미즘으로 돌아간 듯한 느낌을 받게 된다. 피부가 윤기 있게 다루어진 기법이나 도톰한 인체의 곡선을 살린 솜씨는 이 그림을 완벽할 정도로 아카데미적인 규칙을 따른 작품으로 만들면서 등 돌린 누드의 오랜 전통 속에 자리 잡게 한다. 그럼에도 이 작품이 전통적인 누드의 대열에서 벗어나는 까닭은, 엉뚱하게도 누드가 도시풍경 위에 자리 잡고 있기 때문이다. 이 그림을 보면 만 레이가 1934년에 제작한 <관측의 시간에, 연인들>을 떠올리지 않을 수가 없다. 그러나 사실상 그 같은 자의성은 겉으로 볼 때만 그럴 뿐이다. <비테프스크 위를 나는 누드>의 '초현실주의적'인 측면은 우발적인 것이며, 결국 샤갈은 그 그림을 통해 자기 자신에 대해 말하고 있기 때문이다. 비테프스크와 그의 아내 벨라가 동등하게 그림의 절반씩을 차지하면서 함께 다루어지고 있다. 유년기를 상징하며 과거에 속하는 비테프스크(정교회 대성당으로 쉽게 알아볼 수 있다)는 아래쪽에 자리 잡고 있다. 한편 현재에 속하며 추억의 세계에서 솟아오른 듯한 벨라는 위 부분을 차지한다. 그리고 외따로 떨어진 꽃다발, 그 선명한 색으로 인해 회색 바탕 위에서 특히 두드러져 보이는 꽃다발 속에서 샤갈 자신의 모습을 볼 수 있다. 이것은 일종의 서명 혹은 부호의 의미를 갖는다. 샤갈이 프랑스에 정착하던 시기에는 종종 꽃들이 자화상을 대신하곤 했다. 1949년 작 <파란 날개가 달린 시계추> 역시 샤갈이 전혀 초현실적이지 않은 내용을 표현하기 위해 '초현실주의적'인 이미지 기법을 이용한 또 하나의 사례이다. 그림 중앙에 새의 날개를 가진 시계추가 자리 잡고 있는데, 마치 눈 덮인 마을을 지배하고 있는 것처럼 보인다. 그 위로 수탉이 공중에 떠있고, 아래쪽에 꽃다발이 버려져있으며, 연인이 커다란 시계와 떠돌이 유대인의 실루엣 속에 이중으로 갇혀있다. 제목만큼이나 난해한 이런 정경은 마그리트의 그림을 연상시킨다. 이 작품이 기묘한 분위기를 풍기는 것은 사실이다. 그렇지만 이 그림은 암호를 해독하듯 풀어나가야 하는 작품이다. 그림에 등장하는 사물들은 모두 어떤 방식으로든 샤갈에 대해 들려주고 있다. 그런데 그들이 들려주는 이야기는 제각각 다른 내용이다. 어떤 것은 유년기의 추억을 들려주고 있으며, 어떤 것은 망명생활에 대해, 그리고 또 다른 것은 샤갈의 우울한 감정을 전달한다. 그래서 이런 사물들은 마치 같이 무대에 오르지만 결코 서로 대화를 나누지 않는 연극의 등장인물들과도 같다. 같은 공간에 모인 그들은 제각각 떠들어대지만 옆에서 들려주는 이야기에는 전혀 관심을 두지 않는다. 만일 우리가 연극을 보고 있었다면 당연히 뒤따르게 될 불협화음이 회화 공간 속에서는 장면의 거대한 무질서로 표현되었다. 그 세계 속에서는 원근법이 뒤흔들리고, 중력의 법칙이 파괴되며, 사물의 자연스런 질서가 날개 달린 시계추의 갑작스런 출현으로 교란된다. 결국 샤갈은 시대가 요구하는 모든 것, 계속되는 화파들이 제안하는 온갖 것들(샤갈은 1910년에서 1985년까지 작업하는 동안 아주 많은 화파들을 스쳐갔다!)에 대한 반발을 통해 화가로서의 정체성을 형성했다고 볼 수 있다. 자기 시대의 예술과 갖는 이런 대립 관계는 샤갈 고유의 표현양식과 그 자신을 표현하는 일로 이어졌다. 샤갈은 자주 자신의 그림에 등장한다. <도시 위에서>에서는 연인 중 한 명으로, <초록색 밤>이나 <시계추가 있는 자화상>, <수탉>에서는 손에 팔레트를 들고 있는 화가로서, 그는 자기 작품 대부분에 등장한다. 심지어 뒤의 두 그림에서는 그가 동물의 모습으로 그려졌다. 이처럼 자화상의 형태로든 화가의 초상 형태로든 혹은 연인으로든(혹은 종종 동물의 모습으로도 등장한다!), 그림 속에 계속해서 자신이 등장하는 일은 마르크 샤갈에게 그림이 광범위한 의미에서 자전적인 고백과도 같음을 아주 분명하게 드러낸다. 샤갈은 자신의 그림을 통해 스스로에 대해, 자신의 인생에 대해, 자신이 경험한 것들에 대해, 그리고 그가 믿고 있는 것들에 대해 이야기하고 있다. <성서 메시지> 연작은 성경의 교육적 기능에 대한 그의 믿음을 입증한다. 그의 연인들은 사랑에 대한 그의 신념을 보여주며, 그의 풍경들은 그가 거친 많은 여행과 만남에 대해 들려준다. 따라서 샤갈의 작품들은 그의 세계, 아니 어쩌면 그의 세계들을 마치 거대한 소설처럼 펼쳐 보인다고 할 수 있다. 비테프스크에서 파리로, 파리에서 방스로 1914-1918년의 <도시 위에서>는 샤갈의 초기 걸작에 속한다. 양식적인 관점에서 볼 때 이 그림은 고대 히브리 필사본의 삽화들에서 볼 수 있는 소박함을 고의적으로 도입한 양식에서 영감을 얻은 듯하다. 엘 리시츠키 같은 샤갈의 동료화가들이 그린 삽화들 속에서도 발견할 수 있는 양식이다. 이런 삽화들은 텍스트에 충실하며 개인적인 담론을 발전시키지 않는다. 그러나 동료들과 달리 샤갈은 대중적인 삽화에서 이용되던 이런 양식을 대형 회화에 이용하는 것을 망설이지 않았다. 그럼으로써 그는 당시 그의 그림들 중 일부에서 드러나던 파리와 러시아의 아방가르드 미술에서 받은 영향으로부터 완전히 벗어났다. 이 작품에서도 그는 당시 절대주의와 함께 자리 잡고 있던 미학, 그가 결코 무시할 수 없었던 미학과 대립되는 관계를 확립하고 있다. 화가의 모습이나 자전적인 이야기는 <검은 장갑>, <땅거미 질 무렵>, <초록색 밤> 등 30년대와 40년대의 그림에서 많이 발견된다. 또한 더 후기에 제작된 종교적인 함축을 가진 그림들이나 성경의 삽화들 속에도 등장한다. 그 단적인 예가 1947년 작 <강가에서의 부활>이다. 이 그림은 지극히 다른 내용의 장면들이 같이 모여 있는 그림이다. 그리스도가 그림 위쪽을 차지하고 있고, 그 위로 초승달이 떠있다. 그림 왼편에는 비테프스크의 풍경이 눈에 들어오고, 오른 편에는 화가가 보인다. 화가 아래로 아이를 안고 있는 어머니, 꽃다발을 들고 있는 천사, 촛대, 바이올린 연주자가 보인다. 여기서 화가의 존재는 관객들에게 지금 눈앞에 있는 세계가 순수하게 회화의 세계, 화가의 팔레트에서 만들어진 산물, 바로 샤갈의 세계임을 분명하게 전해준다. 화가가 등장하는 다른 많은 작품들에서처럼, 이 그림은 나열의 외형을 취한다. 유년기의 기억들(나무로 만든 집들과 거실의 괘종시계)과 벨라에 대한 기억 등 많은 것들이 그 안에 뒤죽박죽으로 던져져있으며, 그리스도를 상징하는 인물들과 뒤섞여있다. 여기서 그리스도의 고통은 유대민족의 고통을 지시하기도 하고(특히 전후의 작품들에서), 화가의 상황을 지시하기도 한다(어떤 작품들에서는 그리스도가 손에 팔레트를 들고 있는 모습으로 그려진다). 화가를 둘러싼 이런 나열은 이 인물이 화가 샤갈의 자기 자신에 대한 물음, 자신의 노정에 대한, 그리고 자신의 정체성에 대한 물음을 회화적으로 표현한 것임을 뜻한다. 샤갈에게 미술은 말의 연장이며, 담론의 한 형태이다. 그래서 그의 그림들은 하나의 이야기를 들려주는 것, 사람들이 이야기로 전달할 수 있는 것인 경우가 많다. 그림의 이미지들이 다같이 하나의 줄거리를 들려주는 것이다. 그의 대형 회화들도 마찬가지여서 그 대부분이 쉽게 이해할 수 있는 서술적인 성격을 띤다. <비테프스크 위를 나는 누드>를 예로 들어보자. 이 그림은 마을의 공간과 누드의 공간이라는 두 공간을 하나로 결합하고 있다. 처음 볼 때는 두 세계가 서로 양립할 수 없어 보이지만, 그림이 샤갈의 고향마을 비테프스크에 대한 추억과 벨라에 대한 추억을 회화적 공간 속에 뒤섞어서 들려주고 있다는 사실을 이해하고 보면 두 세계가 조화를 이루게 된다. 현대 예술의 한가운데에서 제작된 샤갈의 작품 전체가 화가 자신에 대해 들려주고 있다는 점은 몹시 특이하게 보인다. 샤갈의 작품세계는 특정 양식을 만들어내었던 20C의 위대한 예술운동들과 거리를 유지하고 있다. 샤갈은 많은 예술 사조를 스쳐지나갔지만, 거기에 고착되지는 않았다. 그럼에도 불구하고 샤갈의 작품들은 나름의 독특한 '필법'을 만들어낼 줄 알았다. 그것은 작품 하나하나를 샤갈 자신이 경험한 모든 것의 집약으로, 그리고 그의 인생의 한 단편으로 만드는 필법이었다. 장 미셀 포레이, 프랑스 국립 샤갈 성서미술관장 (전시 도록에서 발췌) 샤갈의 작품에서 자주 등장하는 연인들의 이미지는 그의 작품이 사랑이라는 인간애에 바탕을 두고 있기 때문이다. 대표작이자 샤갈의 걸작인 <도시 위에서>를 비롯한 정감 있는 연인과 신혼 부부를 주제로 한 작품이 한자리에 모였다. 초현실주의 풍의 작품들은 샤갈의 작품구성에 중요한 요소이다. 생의 밝고 긍정적인 면을 주제로 한 그의 작품 이면에는 우울한 시대상과 때로는 인간적인 고뇌가 그의 작품을 통해 표출되는데 <비테프스크 위의 누드>는 전운이 감도는 1930년대 유럽의 얼굴을 담은 대표작이다. 샤갈이 스스로 "제2의 고향 마을"이라 부르던 파리는 샤갈이 작가로서 대성할 수 있는 기틀을 마련해준 도시이다. 작가의 눈에 비친 도시 파리의 다양한 풍경들이 담겨져 있다. 삶의 희로애락을 그려내려고 샤갈은 1920년대부터 서커스의 풍경을 그리기 시작했다. 화려한 색채 사용과 맞먹는 서커스를 주제로 한 작품을 통해 샤갈 예술의 걸작들이 만들어지는데 그의 작가로서의 세계적인 명성을 확인해준 모스크바 유대인 극장 패널화가 그 대표작이다. 유대인으로 깊은 종교적인 신념으로 생을 산 샤갈에게 성서는 혼란한 세상의 구원을 담은 희망의 메시지였다. 나치의 등장과 함께 시작된 샤갈의 성서작품은 그의 일생의 많은 역작과 프랑스 니스의 성서메시지 미술관을 남기게 해주었다. 회화 뿐만 아니라 다양한 삽화를 다루는데 뛰어난 재능을 지닌 샤갈은 그리스 신화로부터 우화집까지 수많은 문학작품을 일러스트레이션 하는 작품집을 남겼는데 호메루스의 오디세이 판화집 43점의 작품은 일러스트레이터로서 샤갈의 진면목을 보여주는 작품이다. 미국 망명에서 돌아 온 샤갈은 1950년대에 프랑스 남부 방스에 정착하여 사망할 때까지 지중해에서 작업을 하며 여생을 보냈다. 지중해는 그에게 삶의 기쁨과 희망을 노래하는 자연의 더 없는 배경이 되었고 지중해를 통해 그는 사랑과 평화의 메시지를 화폭에 담았다. ==== 샤갈의 작품에서 자주 등장하는 연인들의 이미지는 그의 작품이 사랑이라는 인간애에 바탕을 두고 있기 때문이다. 대표작이자 샤갈의 걸작인 <도시 위에서>를 비롯한 정감 있는 연인과 신혼 부부를 주제로 한 작품이 한자리에 모였다. 초현실주의 풍의 작품들은 샤갈의 작품구성에 중요한 요소이다. 생의 밝고 긍정적인 면을 주제로 한 그의 작품 이면에는 우울한 시대상과 때로는 인간적인 고뇌가 그의 작품을 통해 표출되는데 <비테프스크 위의 누드>는 전운이 감도는 1930년대 유럽의 얼굴을 담은 대표작이다. 샤갈이 스스로 "제2의 고향 마을"이라 부르던 파리는 샤갈이 작가로서 대성할 수 있는 기틀을 마련해준 도시이다. 작가의 눈에 비친 도시 파리의 다양한 풍경들이 담겨져 있다. 삶의 희로애락을 그려내려고 샤갈은 1920년대부터 서커스의 풍경을 그리기 시작했다. 화려한 색채 사용과 맞먹는 서커스를 주제로 한 작품을 통해 샤갈 예술의 걸작들이 만들어지는데 그의 작가로서의 세계적인 명성을 확인해준 모스크바 유대인 극장 패널화가 그 대표작이다. 유대인으로 깊은 종교적인 신념으로 생을 산 샤갈에게 성서는 혼란한 세상의 구원을 담은 희망의 메시지였다. 나치의 등장과 함께 시작된 샤갈의 성서작품은 그의 일생의 많은 역작과 프랑스 니스의 성서메시지 미술관을 남기게 해주었다. 회화 뿐만 아니라 다양한 삽화를 다루는데 뛰어난 재능을 지닌 샤갈은 그리스 신화로부터 우화집까지 수많은 문학작품을 일러스트레이션 하는 작품집을 남겼는데 호메루스의 오디세이 판화집 43점의 작품은 일러스트레이터로서 샤갈의 진면목을 보여주는 작품이다. 미국 망명에서 돌아 온 샤갈은 1950년대에 프랑스 남부 방스에 정착하여 사망할 때까지 지중해에서 작업을 하며 여생을 보냈다. 지중해는 그에게 삶의 기쁨과 희망을 노래하는 자연의 더 없는 배경이 되었고 지중해를 통해 그는 사랑과 평화의 메시지를 화폭에 담았다.